Je remercie ma collègue Joëlle Garand, enseignante en Lettres Modernes, qui m’a fourni plusieurs pistes et documents de sa composition pour ces séances sur Les Sonnets de Louise Labé. Certains points concernant la vie et l'oeuvre de Louise Labé ont été trouvés sur d'autres blogs pédagogiques et/ou littéraires.

Louise Labé : vie et oeuvre

I-Louise Labé ou le mystère de la Belle Cordière

Portrait de Louise Labé par Pierre Woeiriot, 1555.

Le graveur a mis en valeur l’élégance de cette qu’on a surnommée « la Belle Cordière », et nous apprend que Louise Labé est une poétesse originaire de Lyon avec cet encart sur lequel il est écrit « Loise Labbé, Lionnoise »

 Qui est vraiment Louise Labé ? Une prostituée bien connue dans les milieux de l’imprimerie Lyonnaise au milieu de XVI eme siècle ? Une bourgeoise ? Une pure invention d’un cercle de poètes ?

Le mystère, quoique les recherches littéraires s’accordent à dire qu’elle a réellement existé, demeure encore aujourd’ hui.

En 1555 paraissent les Euvres de Louïze Labé Lionnoize, qui regroupent un « Débat de Folie et d’Amour » en prose, trois élégies, des sonnets, et des écrits de divers poètes en hommage à celle que l’on suppose être l’auteur, Louise Labé, accompagnés de cet énigmatique portrait.

La mystérieuse poétesse serait née aux alentours de 1524 à Lyon et décédée en 1566 à Parcieux-en-Dombes. Son père, Pierre Charly, qui se fera ensuite appeler Pierre Labé, est cordier, ainsi que son mari, ce qui lui vaudra le surnom de « Belle cordière ».

Mais Louise Labé ne se contente pas d’une vie de « fille » ou « femme de ».

Issue d’un milieu aisé, elle a pu bénéficier d’une éducation humaniste qui a nourri sa curiosité intellectuelle et favorisé son émancipation culturelle. Ainsi dans sa Dédicace à Clémence de Bourges, elle revendique le droit des femmes à la création littéraire.

 Est-ce la jalousie, l’incompréhension de son entourage et des milieux littéraires quant à son choix d’être indépendante qui ont donné naissance à ces rumeurs sur son compte ? Qui ont contribué à brouiller les pistes sur son identité ? Il est possible que Louise Labé ait été une courtisane ; cela n’aurait rien enlevé à son ouverture d’esprit, son intelligence et son talent littéraire, mais au XVI eme siècle, ce statut la discréditait socialement. Est-elle cette même prostituée impliquée dans une sombre affaire d’empoisonnement ?

 Nous restent aujourd’hui d’elle, entre autres, ces vingt-quatre sonnets. Au fond, peu importe quels étaient son nom, son statut, ses choix de vie ; nous reste ce  l'expression de l' amour, des souffrances, de la passion d'une femme, sublimés  par la poésie.

 II-Les Sonnets

• La forme du sonnet

Le mot « sonnet » est un mot issu de l’ancien Français provençal et de l’Italien qui signifie « petite  chanson ». C’est un poème de forme fixe, composé de quatorze vers, deux quatrains (strophes de quatre vers ), et deux tercets (strophes de trois vers). Le schéma de rimes a évolué au cours du temps. Le passage du dernier quatrain au premier tercet est appelé la volte, mot qui signifie « tournant » ; c’est le moment où le poète va introduire un deuxième thème, une opposition ; où il va peut-être brusquement changer de ton. Le dernier vers du sonnet est appelé la pointe ; il s’agit souvent d’une chute, d’une révélation pour le lecteur.

• Observez ce schéma sur le sonnet de votre choix.

• L’influence de la poésie antique...

  en particulier greco-latine, est très sensible dans les sonnets de Louise Labé. Ainsi, on trouve en premier lieu des références à Vénus, déesse de l’amour, Diane, déesse de la chasse, mais aussi aux Nymphes, créatures mythologiques, ou encore au « temple », lieu où l’on venait déposer des offrandes aux Dieux. Louise Labé a baigné dans la culture humaniste, qui, au XVI eme siècle, met les arts et la philosophie antiques à l’honneur. Elle connaissait très probablement le grec, le latin et avait des notions d’histoire et de mythologie antique. Mais ces références greco-latines permettent surtout à Louise Labé d’inscrire son œuvre dans la lignée des plus grands, des poètes Ovide, Virgile, Catulle, Properce, et de l’élégie latine, cette forme poétique chantée dans laquelle, souvent, le poète va exprimer son amour malheureux pour l’être aimé. Ces références confèrent également une dimension universelle à sa poésie ; Labé exprime des sentiments personnels, à travers le je, mais ne fait aucune mention de lieux, dates, personnes réelles ; elle préfère convoquer Vénus et Diane, montrant ainsi que la peine d’amour est, depuis toujours, l’une des plus personnelles mais aussi l’une des plus partagées du monde…

• La poésie pétrarquisante

   

  Louise Labé a été très inspirée par Pétrarque, poète italien du Moyen-Age. Dans ses Chansons, Pétrarque célèbre son amour absolu pour Laure, dont la mort prématurée va le bouleverser. Le style de Pétrarque est caractérisé par les métaphores et les comparaisons précieuses, c’est-à-dire recherchées, ainsi que les antithèses. Le style de Pétrarque est également caractérisé par les personnifications : le « Soleil », « Ciel », « Amour »… et le champ lexical du feu, de la mer, de la nature et ses changements en général, pour évoquer le tumulte des sentiments.

• La fin amor

La fin amor, ou amour courtois, s’illustre dans la poésie ou les romans médiévaux comme Tristan et Yseult. Il s’agit d’une célébration de l’amour d’après des valeurs chevaleresques ; fidélité, respect, noblesse et pureté des sentiments. L’être aimé est idéalisé, la dame placée sur un piédestal ; l’amant lui voue une adoration quasi religieuse. Cette influence est perceptible dans la poésie de Louise Labé, dans l’ardeur des sentiments qu’elle exprime et son adoration pour l’être cher. Par ailleurs, certains poèmes comme « Luth, compagnon de ma calamité », rappellent cette poésie médiévale chantée, celle des ménestrels et des troubadours qui s’accompagnaient de leur instrument, (luth, harpe, lyre, guitare ), pour exprimer leurs vers.

• Observer l’influence de la culture gréco-latine, de Pétrarque et/ou de la fin amor dans un poème de votre choix.

 Si l’histoire et la personnalité de Louise Labé nous demeurent mystérieuses aujourd’hui, ses Sonnets, dans lesquels elle met en lumière le lien universel et inextricable entre amour et douleur, sont la trace la plus précieuse de son existence.

 L’influence de la poésie antique, de Pétrarque et de la fin amor montrent la richesse de sa culture littéraire et humaniste, à laquelle s’ajoute son style unique, une certaine façon de dire l’amour, la peine, avec une sincérité qui sublime le vers.

 Propositions d’excercices :

 Oral :

• Lecture à haute voix d’un sonnet ;

  - en classe ou enregistrée.

  - individuelle ou à plusieurs : lecture du poème par deux élèves en alternance, ensemble, en canon, en crescendo… Toutes ces modalités de lecture ont été testées en cours avec un certain succès.

• Récitation d’un sonnet ;

  - en classe ou enregistrée.

  - individuelle ou à plusieurs : récitation du poème par deux élèves en alternance, ensemble, en canon, en crescendo… ( encore non testé pour ma part mais je l’envisage).

• En lien avec le théâtre : travail de mise en scène autour d’un sonnet/ scénarisation, qui peut s’envisager en groupe (non testé également mais envisagé).

 Ecrit :

• Entraînement à la dissertation sur œuvre :

  - sujet travaillé avec mes classes : en quoi Louise Labé est-elle la poétesse de la passion ?

  - autre sujet envisage : Les Sonnets de Louise Labé, je ou jeu ?

• Ecrit d’appropriation

- sujet donné à une classe : Imaginez une lettre de Louise Labé à Joachim Du Bellay, dans laquelle elle explique comment elle transforme une expérience personnelle en œuvre poétique (variante du sujet « Les Sonnets de Louise Labé, je ou jeu ? » en version sujet d’invention).

 Ouverture sur les autres arts :

• Musique (en lien avec l’enseignant(e) concerné(e)-professeur(e) de musique) : possibilité de faire aux élèves un cours préalable sur les liens entre poésie et chanson, particulièrement pertinent quand il s’agit d’aborder l’oeuvre de Louise Labé, qui s’inspire des poètes greco-latins. On peut proposer aux élèves de mettre un sonnet en musique.

   

• Arts plastiques (en lien avec l’enseignant(e) concerné(s) -professeur(e)s d’arts plastiques, d’histoire ) : possibilité de faire aux élèves un cours d’histoire des arts préalable, sur la peinture à la renaissance, le mouvement baroque. Composer un dessin, tableau, collage… à partir un sonnet de Louise Labé ; une attention particulière peut être portée sur les images du sonnet (comparaisons, métaphores, personnifications…)

• Théâtre : travail de mise en scène en lien avec un(e) professeur(e) de théâtre, un(e) comédien(ne)...

Le texte suivant a été étudié dans le cadre d’une séquence sur la fête en poésie.

Marceline Desbordes-Valmore naît en 1786 dans une famille désargentée. Sa mère, Catherine Lucas, quitte le foyer durant son adolescence ; Marceline l’accompagne en Guadeloupe où Catherine, victime de la fièvre jaune, décède. La jeune Marceline devient actrice de théâtre à son retour en métropole. Elle a deux enfants d’une relation amoureuse passagère ; après celle de sa mère, elle sera bouleversée par la mort d’un de ses enfants à l’âge de cinq ans qu’elle évoquera souvent dans sa poésie. Elle fait paraître en 1819 son premier recueil, Elégies et romances, qui jouit d’un certain succès. En 1833 lui succèdent Les Pleurs puis Bouquets et prières en 1843. Elle décède d’un cancer en 1859.

Si on la connaît principalement pour sa poésie, et notamment « Les Séparés », elle est aussi l’auteure de nouvelles, contes, romans. Marceline Desbordes-Valmore aura inspiré Lamartine, Hugo, Baudelaire et de nombreux chanteurs. Elle est considérée comme une écrivain emblématique du romantisme français.

Le titre du recueil, Romances, paru en 1830, d’où est extrait le poème étudié signifie à la fois histoire sentimentale et poème d’amour. « Le Bal » est un poème composé de quatre quatrains en décasyllabes à l’exception du dernier vers de de chaque strophe, un quadrisyllabe qui reprend le premier vers de la strophe.

Nous allons voir en quoi ce poème détourne le thème de la fête.

Le texte étudié :

L'heure du bal, enfin, se fait entendre, 
Le plaisir sonne, et tu le fais attendre ! 
Depuis huit jours, il a pris pour signal 
L'heure du bal.

Où sont les fleurs dont l'éclat étincelle ? 
Elles mourront en te voyant si belle. 
Mais, sous ta main, je vois rouler des pleurs... 
Où sont les fleurs ?

Il est absent ! l'espérance est voilée, 
Ou, pour le suivre, elle s'est envolée. 
Je le devine à ton plaintif accent : 
Il est absent !

Je n'irai pas ! la danse, mon amie, 
Est, sans l'Amour, une Grâce endormie. 
Loin de la fête il enchaîne tes pas : 
Je n'irai pas ! 

I-La description d’une triste attente festive

1) Un titre déceptif

Le titre induit le lecteur en erreur. Le thème du bal est typique de l’imaginaire romantique. C’est un lieu de rencontres, d’échanges, propice à l’éclosion des sentiments et à leur expression. Cependant, la suite du poème ne décrit pas comme on pourrait s’y attendre une scène de bal, mais une attente angoissée et solitaire.

2)Un jeu de contrastes

Le vocabulaire de la jouissance : « bal », « plaisir », « éclat », « étincelle », s’oppose à celui de la tristesse : « peur », « voilée », « plainte ». Ce tournant est introduit par la conjonction de coordination « mais » au milieu du deuxième quatrain : « mais sous ta main je vois rouler des pleurs (...) » Au coeur du poème, l’auteure fait référence aux fleurs, allégorie riche de sens en poésie. La fleur , symbole du carpe diem, évoque l’éclat de la jeunesse mais aussi le temps qui passe. La fleur est également un motif que l’on trouve souvent sur les vanités, ces tableaux qui rappellent à l’homme sa condition de mortel. Marceline Desbordes-Valmore donne à la fleur ces différentes significations symboliques dans le vers : « elles (les fleurs) meurent en te voyant si belle », où se croisent le thème de la jouissance et celui de la tristesse.

II-Un poème en forme d’adresse

1)Une adresse à la jeune fille

Le poème est adressé à un « tu » dont on ne connaît pas le nom, une jeune fille délaissée par celui qu’elle aime vraisemblablement. La poétesse exprime sa compassion à l’égard de celle-ci, comme le montre l’apostrophe affective « mon amie ». Elle l’observe et semble sensible à sa tristesse : « je vois rouler des pleurs (...) » La marque de la première personne à la fin : « je n’irai pas (!) » laisse supposer que l’auteure s’identifie au personnage ou qu’elle rapporte ses paroles.

2)Une adresse indirecte au lecteur

Le poème peut être lu comme une fable dont la morale serait exprimée dans le dernier quatrain : « (…) la danse, mon amie,/ 
Est, sans l'Amour, une Grâce endormie. » Le présent à valeur de vérité générale, les pronoms « il » et « elle » qui ne renvoient à aucun nom donnent une dimension universelle au texte.

Marceline Desbordes-Valmore détourne le thème de la fête en utilisant volontairement un titre déceptif. Le champ lexical de la célébration contraste avec celui de la tristesse de la jeune fille à laquelle s’adresse ce poème, empreint de mélancolie romantique.

Il est attristant de voir aujourd'hui à quel point il nous reste si peu de traces de Nina de Villars. Et pourtant, au-delà de ses qualités d'écrivain, quelle personnalité. Nina de Villars, ou Nina de Callias, naît en 1843 à Lyon et s'éteint en 1884 à Vanvres. Une courte vie d'une incroyable intensité.

La jeune Nina grandit dans un foyer aisé ; elle épouse Hector de Callias, un journaliste au Figaro, de qui, le divorce n'étant guère possible en son temps, elle se séparera. Arrivée à Paris, elle tient un des salons les plus réputés de son époque, où l'on rencontre les plus grands : Villiers de l'Isle Adam, Rollinat, Verlaine, son amant Charles Cros. Les figures décadentes de cette fin de siècle se précipitent à ses audacieuses réceptions, où il n'y a nul besoin de relation ou de mot de passe pour être introduit ; « un sonnet suffit ».

On rentre chez Nina de Villars comme chez soi ; jour et nuit, sa maison bouillonne de vie.

« Si tous les gens célèbres et si tous les ratés qui ont passé dans la maison de Nina de Villars, qui ont dîné chez elle, qui ont trouvé dans son auberge l'hospitalité, la nuitée, maintes fois, en hiver, seulement offerte par les étoiles ; si tous ceux qui, par bohème ou par curiosité, ont été les convives passagers de cette excentrique, de cette dévoyée, de cette tourmentée, se reposant enfin, dans la mort, de deux années de souffrances ; si tous, les plus graves, les plus sévères, les plus illustres, comme les fantoches dont le génie est dans l'ombre, artistes parleurs à la morale vague comme leur existence ; si tous enfin suivent le cercueil de cette pauvre femme, il y aura là, certes, une élite parisienne, en même temps des types de troisième dessous extraordinaires.
Et ce sera un bel enterrement. », écrit le journaliste Félicien Champsaur en guise d'éloge funèbre -vaguement ironique-, en 1884. Cette générosité fantasque, d'après le peu d'informations que l'on possède, semble pourtant être une réelle caractéristique du tempérament de Nina de Villars.

En 1873, Manet peint son portrait. Cela contribuera largement à sa célébrité. Languissament allongée, vêtue à l'orientale comme le veut la mode fin-de-siècle, Nina de Villars apparaît sous le nom de la « Dame aux éventails » sur ce tableau qui sera largement commenté.

Salonnière de renom, Nina de Villars est aussi une brillante musicienne dont on apprécie particulièrement les talents de pianiste en son temps, et bien entendu, écrivain.

Son succès déclinera néanmoins après la Commune, Nina de Villars ayant déserté Paris pendant un temps. Lorsqu'elle revient, ses fidèles l'ont quittée, une nouvelle cour arrive à son salon, mais son succès et sa santé déclinent. Son addiction à l'absinthe et ses nuits festives auront raison d'elle.

Nous avons encore accès aux Feuillets Parisiens, une sorte de chronique parisienne poétique et très moderne, en sonnets, dixains où son esprit légèrement ironique et son sens de la formule attirent l'attention. On y trouve également des saynètes, et son texte La Duchesse Diane a été publié à part.

Parmi le peu de textes que l'on peut facilement consulter de Nina de Villars, il nous reste heureusement l'un des plus beaux ; « Testament » un poème aussi festif que son titre est macabre, et dont les accents autobiographiques ne peuvent qu'émouvoir.

Il s'agira de voir, dans l'étude de ce texte proposé en lecture analytique, comment ce « Testament » célèbre paradoxalement la joie de vivre, en observant tout d'abord la dimension autobiographique du texte, puis l'analogie entre l'enterrement et une célébration mondaine.

Texte étudié :

Testament

Je ne veux pas que l’on m’enterre, – dans un cimetière triste; – je veux être dans une serre, – et qu’il y vienne des artistes.

Il faut qu’Henry me promette – de faire ma statue en marbre blanc – et que Charles me jure sur sa tète – de la couvrir de diamants.

Les bas-reliefs seront en bronze doré. – Ils représenteront – Les trois Jeanne, puis Cléopatre et puis Aspasie et Ninon.

Qu’on chante ma messe a Notre-Dame, – parce que c’est l’église d’Hugo; – que les draperies soient blanches comme des femmes – et qu’on y joue du piano.

Que cette messe soit faite par un jeune homme, – sans ouvrage et qui ait du talent. – Il me serait très agréable – que de la chanteuse il fut l’amant.

Enfin, que ce soit une petite fête, – dont parlent huit jours les chroniqueurs. – Sur terre, hélas! puisque je m’embête, – faut tacher de m’amuser ailleurs.

I-Un poème aux résonances autobiographiques.

1-La liste des dernières volontés.

Le titre « Testament » suggère que le poète s’apprête à dévoiler l’ intimité de quelqu’un (la sienne?) ; il s’agit du bilan personnel d’une vie, de dévoiler ce que l’on veut laisser. La première personne domine le poème, et ce dès son ouverture percutante : « Je ne veux pas que l’on m’enterre -Dans un cimetière triste;- (...) ». Dans chaque strophe du poème est exprimée l’une des dernières volontés de l’auteur , comme le montre le mode injonctif : « Il faut qu’Henry me promette(...) » / « Qu’on chante ma messe à Notre-Dame », «Que cette messe soit faite (...) », « Enfin, que ce soit une petite fête ». Ces injonctions ouvrent ces strophes dont la forme originale rappelle plus un véritable « testament » en prose qu’un poème en vers.

2-Les références à la vie de l’auteur.

La date à laquelle ce poème a réellement été rédigé est inconnue ; mais au regard des indices laissés, on peut supposer qu’il a été écrit par une Nina de Villars affaiblie par l’alcool, délaissée, qui ne trouve plus de sources de distraction dans sa vie mondaine. Certains noms propres attirent l’attention, particulier « Charles » (« Et que Charles me jure sur sa tête »), qui peut désigner Charles Cros, l’amant de Nina de Villars , et Henry (« Il faut qu’Henry me promette ») ; un autre amant ? Un parent ? Ces dernières volontés ne sont pas non plus sans évoquer la vie de Nina de Villars. Les figures d’autorité auxquelles elle fait allusion correspondent à différentes facettes de sa personnalité : « Cléopâtre » pour la mode orientaliste fin-de-siècle, à laquelle Nina de Villars, si l’on en croit le tableau La Dame aux éventails, goûtait ; Aspasie, compagne de Périclès, pour le rôle politique et culturel qu’elle a joué en son temps ; et enfin, plus proche d’elle encore, Ninon, pour Ninon de Lenclos. On remarque la paronomase qui rapproche les noms Ninon et Nina. Ninon de Lenclos est également la personnalité la plus proche de Nina de Villars dans celles citées. Salonnière, femme de lettres du XVII eme siècle aux mœurs libérées, elle incarne certainement une référence pour l’auteur . La liste des volontés elle-même représente également bien le caractère de la poète : la « statue en marbre blanc » qu’elle demande, particulièrement baroque ; la mention du piano (« Et qu’on y joue du piano ») -Nina de Villars était excellente pianiste- ; l’appel aux chroniqueur (« Dont parlent huit jours les chroniqueurs »), personnages dont toute mondaine cherche à attirer l’attention.

II-Une célébration mondaine.

1)Un salon, une fête galante.

Ces funérailles s'apparentent soit à une réception au salon, soit à une fête mondaine. On retrouve le vocabulaire de la salonnière : « et qu'il y vienne des artistes ». Le poète adopte ici la posture de la mécène qui reçoit ses artistes protégés. Quatre arts sont représentés : la sculpture ; « Il faut qu'Henry me promette- De faire ma statue en marbre blanc- » ; la musique ; « Qu'on chante ma messe à Notre-Dame », « Et qu'on y joue du piano », « la chanteuse », la littérature « Parce que c'est l'église d'Hugo », l'éloquence « Que cette messe soit faite par une jeune homme-Sans ouvrage, et qui ait du talent- ». L'enterrement a également des airs de fête galante ; l'auteur mentionne le nom de « Charles », son amant, auquel vient faire écho la cinquième strophe : « Que cette messe soit faite par un jeune homme -Sans ouvrage, et qui ait du talent-. Il me serait très agréable – Que de la chanteuse il fut l'amant. » L'auteur évoque aussi, dans une comparaison tout à fait originale, à la quatrième strophe, les « draperies (…) blanches comme des femmes » ; c'est-à-dire que la blancheur de la draperie rappelle la carnation d'une femme, blanche comme le veut la mode du XIX eme siècle.

2) Une célébration de la vie par une mondaine.

Ce poème est avant tout une célébration de la vie, par une mondaine qui déclare d'un ton à la fois ironique et désabusé : « Sur terre, hélas ! Puisque je m'embête- faut tâcher de m'amuser ailleurs. » La familiarité du « faut pas » accentue cette idée d'ironie, de même que l'interjection « hélas ! » placé à l'hémistiche ; les funérailles sont envisagées comme une fête qui ouvrira la porte à de nouveaux plaisirs. Cela rappelle l'ouverture du texte : « Je ne veux pas que l'on m'enterre- Dans un cimetière triste. » Cette ouverture sonne comme une contradiction, presque une provocation qui donne le ton du poème. L'auteur joue avec les code des funérailles qu'elle détourne. A la place du noir traditionnel, elle demande à ce que « les draperies soient blanches » ; de même la statue dit être en « marbre blanc », couleur de la lumière, de la vie. A l'inverse de la sobriété et de la réserve de mise ordinairement, elle veut que la statue soit couverte « de diamants », et que l'officiant soit l'amant de la chanteuse : « Que de la chanteuse il fut l'amant. » Enfin, le vers irrégulier, rimé de façon aléatoire, la strophe libérée et déconstruite symbolisent la pétillance fantasque et démesurée de la défunte, un débordement de vie.

Dans ce poème aux résonances autobiographique, le poète semble exposer ses dernières volontés, où l'on trouve de nombreuses références à son propre vécu. Cet enterrement qui s'apparente à une célébration mondaine, aux airs de réception de salon ou de fête galante, célèbre la vie avec ironie et élégance.

Image : Nina de Callias, Edouard Manet, 1873.

Sous le pseudonyme de Gérard d'Houville, aussi terne que sa vie fut tumultueuse, se cache la poète et romancière Marie de Hérédia, que nous appellerons par son vrai nom, de femme. Figure majeure de la Belle Epoque, Marie de Hérédia est née en 1875 à Paris et morte en 1963, et, comme son patronyme l'indique, elle grandit dans une famille à la sensibilité très artistique. Marie de Hérédia est en effet la fille du poète du même nom, ce qui explique sans doute, en partie, sa fibre littéraire. Au salon de son père, elle fréquente d'éminents auteurs , dont Anna de Noailles. Le poète Henri de Régnier devient son époux et elle sera la maîtresse de plusieurs célébrités de son temps dont le romancier Pierre Loüys, avec qui elle aura un fils, nommé Tigre, futur artiste maudit. Cette relation inspirera à Pierre Loüys le scandaleux roman Trois filles de leur mère. Marie de Hérédia devient également modèle pour les photographies érotiques de Pierre Loüys.

Elle choisit pour pseudonyme le nom d'un de ses ancêtres. Marie de Hérédia est l'auteur d'une œuvre prolifique ; en 1903 paraît son premier roman, L'Inconstante. Outre les roman, elle publie de nombreux poèmes, maus aussi des propostions pour le théâtre (de Maeterlinck), et une collaboration avec son fils lorsqu'il était enfant. On compare souvent son style à celui d'Anna de Noailles dont elle était très proche. En 1918 lui est décerné le premier prix de l'académie Française pour l'ensemble de son œuvre. 
Le poème suivant, extrait de « Cinq chansons -Petits poèmes », est intitulé « Romance d'automne », Il est justement proposé en lecture complémentaire du poème « Paysages » d'Anna de Noailles (pour une séquence sur la fête en poésie). Ce poème paraît en 1917 dans la Revue des deux mondes ou Marie de Hérédia publiait régulièrement.

Il s'agira de voir comment l'auteur célèbre l'automne dans ce poème.

NB : Il s'agit là d'une proposition de lecture complémentaire, et non de lecture analytique.

Texte étudié :

 Romance d'automne

Viens rêver aux derniers feuillages
Auprès du feu brûlant et beau,
Où la robe des paysages
Se déchire en ardents lambeaux ;
Auprès du premier feu d’automne
Viens rêver, mon amie, entends
Dans le chant que la bûche entonne
Le regret des défunts printemps.
Mais surtout, rêveuse indolente,
Auprès du feu resplendissant,
Viens chérir la saison brûlante
Où tout est vrai comme le sang;
La saison des pactes suprêmes
Et des sentimens empourprés
Où tout est plus doux quand on aime
Où tout est pur, simple et sacré.
Viens évoquer le feu magique
Qui tout en haut des cimes luit,
Car les pâtres mélancoliques.
Ne l’allument qu’au bord des nuits.

Quand, de ton rêve ou de ta vie
Tu le vois, clair sur le ciel noir,
Exalter sa force asservie
Vers le charmant astre du soir,
Tu sens que les splendeurs d’une âme,
Rassemblant enfin leurs flambeaux,
Deviendront cette unique flamme
Qui jaillit d’un sommet plus haut…
Qu’importe à l’ardeur sans partage
La brume proche du tombeau ?
Viens rêver aux derniers feuillages
Auprès du feu brûlant et beau…

• Une invitation : le poème s 'ouvre sur une invitation à la deuxième personne : « Viens » ; ce verbe est répété de façon anaphorique à cinq reprises, en début de vers. La simplicité et la familiarité de l'intonation laisse supposer que l'on s'adresse à un proche ; « ami(e), parent(e)... Cela est confirmé par l'apostrophe « mon amie » au vers 6, « amie » qualifiée tendrement de « rêveuse indolente » au vers 9. Cela plonge le lecteur dans une atmosphère intimiste et chaleureuse, qu'accentue la présence du feu (« auprès du feu brûlant et beau). Les invitations varient ; on trouve trois fois « viens rêver », notamment au début du poème et à la fin. Saison poétique par excellence, « saison mentale », d'après les mots d'Apollinaire, l'automne suscite les songes. Au milieu du poème, l'invitation varie : « Viens évoquer le feu magique » ; la dimension onirique, voire mystique du poème apparaît nettement. L'invitation qui ouvre le poème le ferme également, comme si le poète la réitérait.

• L'automne, une saison entre l'ardeur et la mort : ces deux réseaux lexicaux contradictoires se rencontrent dans le poème. L'automne est en effet le passage entre l'été, saison vivante, et l'hiver, saison morte. Le poète associe constamment l'automne au feu. Il est question du « feu brûlant et beau » au vers 2 (on remarque l'allitération en -b qui représente la vivacité, la pétillance du feu), mais aussi de la « saison brûlante », du « feu magique », des « flambeaux », de « l'ardeur sans partage »... La rencontre entre l'ardeur et la mort se concrétise dans le superbe oxymore du vers 4 : « ardents lambeaux ». Au champs lexical du feu, de la lumière et de la vivacité, donc, se mêle celui de la mort : « lambeaux », « défunt printemps », « derniers feuillages »...

• L'automne est aussi la saison du sentiment ; le poète la définit ainsi : « La saison des pactes suprêmes / Et des sentiments empourprés ». La métaphore « sentiments empourprés » peut évoquer la passion amoureuse, la référence à la couleur pourpre symbolisant l'amour... et le feuillage des arbres en automne. Ainsi, l'expression « saison des pactes » pourrait rappeler le pacte amoureux. L'automne, saison poétique, « saison mentale », est propice à l'épanchement et à la naissance des sentiments : « La saison (…) où tout est plus doux quand on aime / Ou tout est pur, simple et sacré ». De même, le « feu » dont il est question ici représente le feu du foyer, le feu de l'ardeur amoureuse, et celui du paysage automnale, romantique et troublé. 

Image : Portrait de Marie de Régnier, Jean-Louis Forain, 1907.

L’oeuvre poétique de la comtesse Anna de Noailles commence à être (re)connue par les manuels. C’est déjà un pas, même s’il est regrettable que sa production romanesque, à mon sens meilleure, soit encore dans l’ombre.

Anna de Noailles, née Anna-Elisabeth Bibesco Bassaraba de Brancova en 1876 à Paris, et morte en 1933, est une romancière et poète française d’origine roumaine. Appartenant à la la haute aristocratie, elle baigne dans un milieu très culturel, en partie grâce à sa mère pianiste. Elle publie son premier recueil, Le Coeur innombrable, en 1901, et son premier roman, La Nouvelle Espérance, en 1903. Le Visage emerveillé, sera encensé par Marcel Proust, en 1904 (j’en avais entendu parlé pour la première et unique fois pendant mes études, dans le cadre d’un travail sur… Marcel Proust. J’ai finalement préféré lire le roman d’Anna de Noailles plutôt que l’oeuvre de Proust au programme). L’oeuvre d’Anna de Noailles connaîtra un vif succès en son temps ; ses salons sont particulièrement réputés à Paris. On y rencontre Edmond Rostand, Francis Jammes, Paul Claudel, Colette, André Gide et bien d’autres.

En 1904, elle créée le Prix de la Vie Heureuse, ancêtre du Prix Femina. Elle est la première femme commandeur de la légion d’honneur.

« Anna de Noailles est parvenue à construire une vision poétique originale. Son oeuvre peut être décrite en termes dionysiens – extatique, sensuelle, érotique, ludique, quelquefois violente, et toujours marquée par un courant tragique qui devient plus manifeste vers la fin de sa vie. » http://www.annadenoailles.org/?langswitch_lang=fr

Le poème suivant, composé de cinq quintiles en alexandrins, de facture très classique, comme tous les textes d’Anna de Noailles, est intitulé « Paysages ». Il est extrait du Coeur Innombrable. Dès le titre, on devine la dimension presque picturale du poème qui décrit l’évolution de la nature au fil de l’année.

Il s’agira de voir comment la poésie célèbre toutes les saisons.

Texte étudié : Les Paysages

Les paysages

Les paysages froids sont des chants de Noëls,
Et les jardins de mai de languides romances
Qui chantent doucement les péchés véniels
Et mènent les amants à de douces clémences...
Les paysages froids sont des chants de Noëls.

Les bouquets de palmiers et les fleurs de grenades,
Évaporant dans l'air leurs odorants flacons,
Donnent, au soir venant, d'ardentes sérénades
Qui retiennent longtemps les filles aux balcons...
Les bouquets de palmiers et les fleurs de grenades !

Le charme désolé du paysage roux
Soupire un air connu des vieilles épinettes ;
La grive se déchire aux dards tranchants des houx
Et le corail pâlit aux épines-vinettes...
Le charme désolé du paysage roux !

Le feuillage éperdu des sites romantiques,
Où la lune dans l'eau se coule mollement,
Élance vers le ciel en de vibrants cantiques
Le mensonge éternel de l'amoureux serment...
Le feuillage éperdu des sites romantiques !

Et le rire éclatant des paysages blonds
Court sur l'eau des ruisseaux, dans le maïs des plaines
Et fait tourbillonner les grappes de houblons
Et les abeilles d'or autour des ruches pleines...
Le rire ensoleillé des paysages blonds !

I-Les paysages sensoriels.

1)Les paysages visuels.

Dès le titre, « Paysages », qui pourrait être un titre de tableau, on perçoit la dimension visuelle du poème. Anna de Noailles donne à voir la nature en toutes saisons. Aux strophes 3 et 5, elle décrit un été et un automne hauts en couleurs : « paysage roux », « corail » (strophe 3),  « paysage blond », « abeilles d’or » strophe 5). Si, ici, elle mentionne explicitement les couleurs de certains éléments composant les paysages, d’autres expressions ne sont pas moins évocatrices ; ainsi, les « paysages froids » dont il est question à la première strophe font penser à des couleurs claires, tandis que les « fleurs de grenade », associées à l’idée du feu, (« Donnent au soir venant, d’ardentes sérénades »),« épines-vinettes », évoquent des couleurs vives ; dans la dernière strophe, le « maïs », les « grappes de houblon », le « rire ensoleillé des paysages blonds », rappellent la lumière. A la strophe 4, on visualise la pâleur d’un paysage typiquement lyrique : « Le feuillage éperdu des sites romantiques/ Où la lune dans l’eau se coule mollement. » Elle décrit également une nature que l’on imagine verdoyante grâce aux « bouquets de palmiers » de la strophe 2, aux « dards tranchants des houx » de la strophe 3.

2)Les paysages olfactifs.

L’ode aux sens se poursuit avec la description d’un paysage olfactif. Ainsi, la strophe 2 n’est pas sans rappeler un certain exotisme Baudelairien chargé de parfums. On pourrait presque parler de synesthésie. Il est question des « bouquets de palmiers et (d)es fleurs de grenade/ Evaporant dans l’air leurs odorants flacons ». De même que pour les paysages visuels, les paysages olfactifs ne sont pas toujours explicitement mentionnés ; ainsi, dans la dernière strophe, la mention du « maïs », des « grappes de houblons », « des ruches pleines », évoquent des parfums estivaux.

3)Les paysages auditifs,

Enfin, le sens de l’ouïe est convoqué du début à la fin du poème, dès le premiers vers : « Les paysages froids sont des chants de Noël ». Il est également question, à la strophe 2, de « sérénades », d’un « air connu » à la strophe 3, de « cantiques » à la strophe 4, et de manière implicite, du bourdonnement des abeilles à la strophe 5. Le paysage, dans le poème de Noailles, est un immense chant, une immense célébration lyrique. De plus, on remarque que l’écriture d’Anna de Noailles même imite une chanson, avec ses vers identiques qui encadrent chaque strophe à la manière d’un refrain. Cette nature chantante est une nature personnifiée. Plus encore que d’un paysage sensoriel, on peut parler d’un paysage sensible.

II-Les paysages sensibles.

1) Les paysages personnifiés.

Dans les poèmes d’Anna de Noailles, le paysage a une âme. Ainsi, la plupart des éléments qui composent les paysages sont personnifiés, dès le début du poème : « Les jardins de mai (…) chantent doucement les péchés véniels » ; à la seconde strophe, « Les bouquets de palmiers et les fleurs de grenade/Donnent, au soir venant, d’ardentes sérénades ». On retrouve encore la sémantique du chant à la strophe 4 : « Le feuillage éperdu (…) élance vers le ciel en de vibrants cantiques ». On remarque une gradation, du chant doux au « vibrant cantique », propre à l’extase lyrique. Le poème est impregné de mélancolie qui s’exprime à travers cette personnification ; ainsi, l’adjectif « désolé » qualifie le « charme » du « paysage roux », à la strophe 3, et l’adjectif « éperdu », le « feuillage » des « sites romantiques. » à la strophe 4. A l’inverse, le « rire ensoleillé » et le « rire éclatant » des paysages décrits reprennent cette idée d’extase. Les vers identiques encadrant chaque strophe, et rappelant la chanson, évoquent également les origines du lyrisme.

2) L’homme en harmonie avec le paysage.

C’est certainement la présence de l’homme, en harmonie avec la nature, qui donne aux paysages leur dimension sensible, ou est-ce l’inverse ? Dans la première strophe, ce sont les paysages qui inspirent les sentiments : il « chantent » et « mènent les amants à de douces clémences... » Ainsi, la contemplation du paysage hivernal est propice à l’épanchement des sentiments. Cette idée se poursuit dans la strophe suivante : les « bouquets (…) retiennent longtemps les filles au balcons... » Les paysages d’été seraient propices à la rêverie romantique, dont il est d’ailleurs question à la strophe 4 : « le feuillage éperdu des sites romantiques ». Ici, le paysage torturé du plein hiver célèbre l’antithèse : « le mensonge éternel de l’amoureux serment. », avant le retour du printemps.

Dans ce poème lyrique, Anna de Noailles célèbre le cycle des saisons en décrivant un paysage où se mêlent les sens ; paysage reflet des émotions, ou qui inspire les émotions, selon la tradition lyrique qui célèbre l’harmonie entre l’homme et la nature. 

Image : Anne-Elisabeth, comtesse de Noailles, par Jean-Louis Forain, 1914.